Импрессионизм, авангардизм и современное искусство

С каждым днем популярность современного искусства растет в геометрической прогрессии. Мы собрали универсальные советы для тех, кто хочет идти в ногу со временем - учимся разбираться, что же хотел сказать автор 21 века. Также поделимся секретами, как понимать картины импрессионистов и авангардистов 20 века, оценивать которые могут лишь подготовленные зрители.

Одним из самых популярных видов досуга является посещение музеев и выставок. Искусство доступно каждому. Действительно, на выставках можно заметить людей из разных поколений и сфер деятельности, по-разному одетых, мыслящих и понимающих отлично друг от друга.

Последнее десятилетие самым востребуемым и популярным стало современное искусство. Неужели у классиков, представленных в Третьяковке, Пушкинском, Эрмитаже люди уже давно все поняли?

Конечно же, нет. Многие из нас покупают билет в музей для того, чтобы получить лишь эстетическое удовольствие. В то время, как сюжеты картин и скульптур, отсылки к Библии и истории так и остаются «за рамками». Почему же все-таки современное искусство?

Во-первых, это модно. Практически каждый месяц в афише мы видим анонс того или иного представления. Во-вторых, это отражает реальность, в которой мы живем, а значит находится ближе к душе и доступнее для понимания. В-третьих, оно развивает воображение и будто не требует никакой экспертности вовсе.

Однако находится немало людей, которые действительно понимают, что же хотел сказать автор. Если пока вы не успели добраться до глубокого изучения этой темы, то советую воспользоваться несколькими советами. Далее о том, как смотреть современное искусство, чтобы выглядеть так, что вы в нем разбираетесь.

Правило № 1: открытость и нейтральность

К сожалению, большинство посетителей вместо того, чтобы постараться понять, начинают критиковать и осуждать, отпуская резкие комментарии в стиле: «мазня», «каракули» или и того хуже. Первое и, пожалуй, главное правило - открытость. Позвольте себе погрузиться в произведение, молча наблюдайте, смотрите с разных сторон, возбуждайте воображение. Не стоит давать оценку: это «хорошее», а то «плохое» - так просто никогда не бывает. Откройте и охладите свой ум, помогите воображению разыграться и чувствуйте сердцем.

Особая прелесть современного искусства состоит в том, что «неправильного» ответа попросту не бывает. Если один увидел любовь, а другой, наоборот, расставание, то оба варианта на самом деле имеют право на существование.

Однако учтите еще один момент - воспринимайте каждое произведение так, будто видите его впервые. И пускай за плечами у вас бакалавриат культуролога, и пусть однажды в Париже вы видели нечто до боли похожее. Отбросьте багаж знаний в сторону: в этом моменте есть только вы и конкретное произведение искусства.

Попытайтесь раскусить его, будто перед вами человек, которого только предстоит узнать. Вряд ли в таких ситуациях вы начинаете копаться в собственной памяти, не правда ли? С искусством это работает точно так же.

Правило № 2: изучение контекста

Перед тем, как идти на выставку, не поленитесь выделить время на знакомтсво с художником и его прошлыми работами. Почитайте его биографию, узнайте больше о направлении, в котором он творит. В какую эпоху он живет, в каких условиях создаются работы? Ответы на эти вопросы помогут увеличить шанс на то, что посыл выставки будет истолкован вами верно и, конечно, увеличит вашу экспертность в глазах окружающих.

А еще советуем не пренебрегать брошюрами и описаниями к выставке. Зачастую посетители не считают нужным вчитываться в текст, ведь искусство - все-таки про визуал. Однако это порой приводит к полному непониманию посыла художника.

Правило № 3: взаимодействие и размышление

Вы наверняка замечали, что некоторые посетители проводят возле картин куда больше пяти минут. И они абсолютно правы. Глубокое погружение в произведение требует как минимум 15, а то и всех 30 минут. Остановитесь прямо напротив, успокойтесь и начните всматриваться в детали.

Тщательно отслеживайте, какие ассоциации приходят на ум, какие эмоции вы испытываете, на какие мысли (возможно, о своей жизни) вас натолкнул художник - это и будет верным шагом на пути к пониманию увиденного.

Современное искусство - про интерактив и анимацию. Кажется, уже никого не удивляет, что в музеях можно трогать, щупать, прыгать, нюхать и совершать прочие действия, находящиеся в классических галереях под знаком «табу». Не пренебрегайте интерактивными вставками, пробуйте! Вдруг, именно это и станет ключом к секрету творца.

Правило № 4: образование и общение

Несмотря на то, что понять современное искусство можно и без профессиональной корочки, совсем пренебрегать образованием все-таки не стоит. Есть множество очень интересных и довольно коротких курсов, которые смогут прокачать ваши познания в искусстве. А онлайн-формат позволяет заниматься любимым делом даже после работы.

Представители современного искусства в большинстве своем - вольные творцы, однако это не значит, что они поставили крест на своих предшественниках. Вы будете удивлены, но у многих художников существуют отсылки даже к тем коллегам из прошлых веков, которые работали в совершенно другом жанре.

Правило № 5: практика

Она, как известно, важна в каждом деле. Одной выставки за полгода и тем более год будет недостаточно. Старайтесь находить время на все новинки, которые появляются в афише вашего города. Ходите, любуйтесь, узнавайте, учитесь сопоставлять и сравнивать. Так и только так вы сумеете получить заветное звание настоящего ценителя современного искусства.

Правило № 6: критическое мышление

Формируйте критическое мышление. Оно поможет вам не только в вопросе современного искусства. Не бойтесь выражать свое мнение: пускай оно отличается от позиции большинства. Помните, что вы имеете право испытывать или не испытывать интерес и трепет, выделять картины, которые не нравятся 90% посетителей и, наоборот, не восхищаться общепризнанными шедеврами.

Главное - делать это от души, а не из принципа и не раскидываться громкими оценочными фразами, которые могут обидеть и художника, и его почитателей. Особенно, когда за плечами не так много знаний, как хотелось бы.

Современное искусство прекрасно тем, что вызывает у людей абсолютно разный отклик. Одни раз и навсегда становятся его почитателями, других и под страхом смерти не затащить на новую выставку. В обществе ходят споры о том, можно ли это в принципе считать искусством. Ответ на этот вопрос каждый должен найти самостоятельно.

Но, кажется, довольно глупо осуждать то, что вызывает такие эмоции у миллионов, особенно когда даже не пытаешься осмыслить феномен 21 века. Следуйте нашим советам и совсем скоро вы не просто будете выглядеть так, будто понимаете современное искусство, но и дейтсвительно начнете его трактовать и ценить.

Как понять картины импрессионистов-авангардистов? 10 терминов.


Владимир Татлин "Осень (Лето)". Пейзаж.1908-1909 гг., РГАЛИ

Импрессионизм - одно из важнейших направлений в искусстве последней трети XIX-начала XX века, возникшее во Франции и распространившееся по всему миру. Открытия художников-импрессионистов были поистине революционны и оказали существенное влияние на последующее развитие живописи. Революционность заключалась с том, что именно они первыми отказались от сложного, состоящего из нескольких этапов, процесса создания картины, характерного для академического направления, освободили художника, позволили творить без оглядки на каноны и правила опостылевшего классического реализма.

Авангард - важное понятие в истории искусства XX столетия, объединяющее ряд художественных течений, возникших в то время. В России фактическим создателем данного термина явился художник и арт-критик Александр Николаевич Бенуа, который в своей статье об очередной выставке объединения «Союз русских художников», разделил участников на авангард, центр и арьергард.

К художникам авангарда Бенуа отнес молодых живописцев Михаила Ларионова, Павла Кузнецова и Георгия Якулова. Однако данный термин начал широко использоваться историками искусства в 1920-е годы, когда потребовалось обобщить разнообразные новаторские течения в искусстве, участники которых, что примечательно, не называли себя авангардистами.

Импрессионизм и авангард, на первый взгляд, диаметрально противоположные явления в искусстве. Однако между ними существует крепкая взаимосвязь. Например, русский авангард начала XX века был бы невозможен без импрессионизма, влияние живописи французских импрессионистов и постимпрессионистов стало трамплином для перехода к ярким работам Михаила Ларионова, Натальи Гончаровой, Давида Бурлюка, Казимира Малевича, Алексея Явленского, Петра Кончаловского, Роберта Фалька и многих других.

1. Пленэ́р

Термин происходит от французского plein air, дословно – открытый воздух. Он определяет метод создания произведения искусства. Художник-пленэрист работает в природном окружении, под открытым небом, стремясь запечатлеть все богатство естественного освещения, световоздушную среду, атмосферные явления. Главным источником вдохновения для художника служит сама природа во всем многообразии ее проявлений.

2. Краски в тюбиках

Работа на пленэре не была бы такой приятной, и, что важно, удобной, если бы в 1841 году американский художник-портретист Джон Ренд не изобрел «усовершенствованный сосуд для хранения красок». До этого для хранения готовых красок использовались свиные мочевые пузыри. Чтобы выдавить краску на палитру требовалось проколоть пузырь иглой. Да и краски в те времена художники готовили сами, растирая минеральные пигменты или покупая в форме порошка в художественных лавках. Пьер Огюст Ренуар однажды заметил: «Без тюбиков с красками не было бы импрессионизма».


Михаил Ларионов "Прогулка". 1907-1908 гг. Собрание В.А. Дудакова и М.К. Кашуро

3. Палитра импрессионистов

Сложение яркой колористической гаммы импрессионистов было бы невозможно без открытий в области химии и синтезирования новых пигментов. Появление доступных по стоимости красок, например, прежде крайне редких и дорогостоящих синих пигментов, позволило художникам обратиться к живописным экспериментам.

4. Этюдник

К сожалению, история не сохранила имя изобретателя усовершенствованной конструкции хорошо знакомого мольберта, однако известно, что этюдник появился во второй половине XIX столетия. Легкий, складывающийся в небольшой чемоданчик мольберт новой формы, стал прекрасным дополнением краскам в тюбиках, получившим в тот период широкое распространение.


Илья Машков "После грозы". 1922 год. Тверская областная картинная галерея

5. Плоская кисть

Еще одно важное открытие, без которого не было бы возможным появление импрессионизма – широкая плоская кисть с жестким свиным волосом появилась также во второй половине XIX столетия. С ее помощью было особенно удобно наносить четкие широкие раздельные мазки, ставшие одной из отличительных особенностей этой стилистики.

6. Дробный мазок/Раздельный мазок.

Вдохновляясь изменчивой природой, импрессионисты стремились запечатлеть мимолетное впечатление, придавая живописной поверхности холста особую подвижность, вибрацию. Художники добивались подобных эффектов с помощью раздельных мазков, свободно положенных на холст, словно зафиксировавших в краске движение руки мастера.


Петр Кончаловский "Дом в Белкине". 1907 год. Музей истории города Обнинска

7. Рефлекс

Происходит от латинского reflexus – отраженный. Термин обозначает отсвет или отраженный свет на поверхности предмета, падающий от окружающих объектов. В живописи импрессионистов рефлексам уделена важная роль. Воспроизведение природных оптических эффектов способствует передаче богатства цветов и оттенков изображаемого предмета и их сложной взаимосвязи с окружением.


Михаил Ларионов "Ночь. Тирасполь". 1906 год. Нижегородский государственный художественный музей

8. Сезаннизм

Тенденция в живописи XX века, в основе которой лежат художественные приемы, свойственные творческому методу Поля Сезанна. Сезаннизм оказал большое значение на формирование русского авангарда. Особенно ярко увлечение его методом проявилось в творчестве художников объединения «Бубновый валет». Особая интенсивность и сила цвета, декоративность, широкая манера письма, сочность мазка, активная роль контура – основные признаки сезаннизма.

9. Пуантилизм или Дивизионизм.

Происходит от французского pointiller – писать точками, другое название этой системы в живописи – дивизионизм, также от французского division – разделение. Основа этой системы – принцип разложения сложного тона на чистые цвета с помощью особой манеры письма раздельными мазками в форме точек, мелких квадратов или прямоугольников. Чистые краски, нанесенные на холст подобным способом, при взгляде на них с определенного расстояния оптически смешиваются в глазах зрителя и образуют цельное живописное полотно.


Алексей Явленский "Дорога".1905 год. Омский музей изобразительных искусств имени Врубеля

10. Теория цвета

Работа французского химика Мишеля Эжена Шеврёля (1786-1889) «О законе симультанного контраста цветов» («Loi du contraste simultané des couleurs», 1839) послужила научной основой живописи импрессионистов и постимпрессионистов. Закон Шевреля: «Два смежных цвета, будут казаться настолько несходными насколько возможно». В работе 1839 года было продемонстрировано, что смежные цвета предоставляют друг другу дополнительные оттенки.

Например, желтый, положенный рядом с зеленым, получает фиолетовый оттенок и не может «звучать» в полную силу. Благодаря научным открытиям и изучению природы импрессионисты совершили революцию в искусстве, открыв совершенно новую систему передачи цвета.